CREATIVIDAD APLICADA AL DISEÑO GRÁFICO

5 PASOS PARA SER CREATIVO

CREATIVIDAD

Se desarrolla a partir de las experiencias que percibimos atravez de los sentidos.
Como individuo, sólo el ser humano crea y, potencialente, todos los seres humanos pueden crear.

Cuando se está en la infancia, percibimos el mundo en forma directa a través de los sentídos y sus acciones.

El hombre es un ser simbólico, y a través de la evolución de miles de años ha ido creando simbologías cada vez más ricas y más complejas: lenguajes verbales y no verbales.

Tras miles de años cada grupo humano contaba ya con uno o varios lenguajes simbólicos que además de expresar y de comunicar ofrecían otra ventaja importantísima para la evolución del homo sapiesns: hacer presentes las cosas ausentes.

Una mente creativa es una mente abierta y flexible, capaz de buscar soluciones a cualquier problema, usando siempre caminos nuevos, huyendo de la rigidez, atreviéndose siempre a ver las cosas desde una nueva perspectiva.

Las experiencias son piezas importantes con las que nos enfrentamos a la hora de desarrollar nuestra creatividad.

Desarrolar un producto artístico tiene un modo particular, hay múltiples maneras de desarrollarlo.


PROCESO CREATIVO
Compuesto por seis etapas
I. El cuestionamiento
Percibir algo como un problema, tomar distancia de la realidad, preguntarse.
El que no tiene preguntas no encuentra respuestas.
El que no busca nada no encuentra nada.

II. El acopio de datos
En esta etapa, las observaciones, experimentos y creaciones, con personas conocedoras del tema.
El creador potencial necesita procurarse el mejor material para que la mente trabaje sobre terreno sólido y fértil, recopilar información.

III. Incubación y IV. Iluminación
Estas etapas están relacionadas entre sí y se consideran juntas, pensar y analizar para después obtener un resultado. aventurarse por el mundo de las ideas.

V. Elaboración
Este es el paso de la idea luminosa a la realidad externa.
Ejecutar las ideas "aterrizar" la idea en la realidad.

VI. Comunicación
Dar a conocer el resultado.

PROCESO CREATIVO (imaginación, creatividad y fantasía)
Compuesto por seis etapas
I. Proceso de imaginación
La percepción externa e interna que sirve de base a nuestra experiencia / Lo que vemos y vivimos

II.Asociación, agrupación de elentos disociados y modificados
Ideas, imágenes, contrastes

III.Combianación de imágenes aisladas ajustándolas a un sistema
Combinar, traduciendolas a nuestra realidad

IV. Final, cuando la imaginación se materializa
Desarrollo del proceso

V. Comunicación
Dar a conocer el resultado.

Uso de la TIPOGRAFÍA

TIPOS, FUENTES Y TIPOGRAFÍA

TIPOGRAFÍA, ABECEDARIO 3D

Uno de los componentes más importantes del diseño gráfico es la tipografía. La tipografía consiste en la composición del texto mediante tipos, que se almacenan en forma de fuentes- archivos tipográficos digitales- que quedan vinculadas al documento de preparación de un diseño. cuando imprimimos o generamos archivos PDF, las fuentes se incorporan junto con las imágenes y los demás elementos gráficos en los archivos PDF o PostScrip.



TIPOS Y FUENTES
Es importante comprender cuál es la diferencia entre tipo y una fuente.

Tipo: es el término que se emplea para definir el diseño de un juego de caracteres concretos, por ejemplo, Garamond. Una fuente, históricamente
Los tipos pueden tener distintos estilos, como negrita, estrecha o fina.

No existe regla alguna que limite los caracteres que puede contener una fuente tipográfica.

Es importante conocer los orígenes, que serán la fuerza de base para la creatividad.

El primer aspecto a estudiar es la relación de espacios, que deben estar equilibrados para que el todo sea un ente armónico:
-espacio entre letras
-entre palabras
-entre líneas

TIPOGRAFÍA EN EL DISEÑO GRÁFICO

DISEÑO VECTORIAL

Al elegir un tipo se debe considerar el equilibrio entre el espacio interior de algunas letras y el que hay entre ellas, cuyo contraste o semejanza va  a construir la estructura física del texto.

El espacio entre palabras es el que las identifica y las hace legibles produciendo pequeñas pausas necesarias en la lectura. Por último, es de considerar el espacio entre líneas o interlineado.

ORIGEN DEL TIPO
Una de las características más atractivas de la tipografía es la conjunción de la creatividad con técnicas mecánicas o electromecánicas que se da en su producción.

La gran mayoría de los tipos y la terminología técnica provienen de la época en que se utilizaban lo tipos de plomo.

Familiarizados con la terminología, es importante saber ver los datos claves de las tipografías, y sus variables, espaciado entre letras y entre palabras, condensaciones, etc. para poder desarrollar las variaciones estilística que diferencian un buen diseño tipográfico.

FAMILIAS BÁSICAS

Gutenberg, a quien se atribuye la invención de tipo móvil, aunque en realidad fue el perfeccionador de las técnicas de fundición e impresión, intentaba imitar el estilo de los manuscritos, creando tipos que no eran letras, sino conjuntos de dos o tres letras que generalmente se escribían unidas, y estaban basados en la letra gótica, de trazos gruesos y angulosos, que hoy resulta difícil de leer.

Casi todos los tipos se agrupan en torno a unas categorías según sus características, de las que las más conocidas son: romana, caligráfica, gótica, ornamental

La imprenta sus orígenes

La imprenta Gutenberg

FAMILIAS BÁSICAS

ROMANA
Las letras romanas constan de zonas gruesas y delgadas, pudiendo no tener pie, aunque casi todas lo tienen.

 

LINK TIPOGRAFÍAS CON REMATES (PIES)

EGIPCIAS
Se denominan así por sus pies gruesos y cuadrados (franceses) o ligeramente curvos recordaban el hieratismo de las inscripciones egipcias. Estos tipos son caracterizados por algunos como un grupo aparte, comprendido hoy por tipos como Clarendon.

CURSIVAS
Las letras inclinadas se denominan oblicuas, se deriva de la caligrafía.

CALIGRÁFICA
La escritura manual originó la fundición de tipos que la imitaban.

GÓTICAS o SANS SERIF
Definia a las letras caligráficas alemanas, se utiliza actualmente para las tipografías de trazo uniforme y sin adornos. Estos tipos en principio de trazo grueso recordaban el grosor de la letra alemana.
Palo seco o Sans serif. No hay contraste entre gruesos y perfiles.

ORNAMENTALES
Actualmente se usan escasamente, y como capitular han sido sustituidas por una ampliación de tipo empleado en el texto.

ANATOMÍA DEL TIPO IMPRESO
La tipografía, sus medidas y sus normas tienen un lenguaje único, no utilizado por otras profesiones.

 

ANATOMÍA DE LA LETRA

Altura de las mayúsculas: Es la altura de las letras de caja alta.

Altura X: Altura de las letras de caja baja, las letras minúsculas, excluyendo los ascendentes y los descendentes.

Anillo: Es el asta curva cerrada que forman las letras "b, p y o".

Ascendente: Asta que contiene la letra de caja baja y que sobresale por encima de la altura x, tales como las letras "b, d y k".

Asta: Rasgo principal de la letra que la define como su forma o parte mas esencial.

Astas montantes: Son las astas principales u oblicuas de una letra, tales como la " L, B, V o A".

Asta ondulada o espina: Es el rasgo principal de la letra "S" en mayúscula o "s" en minúscula.

Asta transversal: Rasgo horizontal de las letras "A, H, f o t".

Brazo: Parte terminal que se proyecta horizontalmente o hacia arriba y que no se encuentra incluida dentro del carácter, tal como se pronuncia en la letra " E, K y L ".

Cola: Asta oblicua colgante que forman algunas letras, tales como la " R o K ".

Descendente: Asta de la letra de caja baja que se encuentra por debajo de la línea de base, como ocurre con la letra "p y g".

Inclinación: Ángulo de inclinación de un tipo.

Línea base: La línea sobre la que se apoya la altura.

Oreja: Es la terminación o terminal que se le añade a algunas letras tales como "g, o y r".

Rebaba: Es el espacio que existe entre el carácter y el borde del mismo.

Serif, remate o gracia: Es el trazo o termina de un asta, brazo o cola.

Anatomia del tipo impreso, tomada del  sitio web  bibidesign-stock.blogspot.com

PARTES DE LA LETRA

TEORIA DEL COLOR

El hombre cuenta con materiales para colorear las cosas que produce. Son los llamados pigmentos, y que sirven para cubrir superficies o teñir textiles.
quienes estudian el color o lo utilizan con fines prácticos o estéticos, están de acuerdo con identificar:

-Tres colores primarios: rojo, azul y amarillo
-Tres secundarios: verde, morado y anaranjado
Seis terciarios: rojo magenta, magenta, azul morado, verde cobalto, amarillo verdoso, y anaranjado rojizo.

Si mezclamos los tres colores llamados Primarios, nos darán la luz blanca, esto es, se equilibran o neutralizan.
El primer lugar, mezclando los primarios entre sí obtendremos los tres colores secundarios.

Colores complementarios
si mezclamos un color primario con uno secundario, se neutralizan. Entonces, son complementarios como en los siguientes pares:

Rojo-Verde

Azul-Anaranjado

Amarillo-Violeta

Propiedades y cualidades del color

El color posee tres características o dimensiones perceptivas:

 Intensidad

Depende del grado de saturación de un color, del porcentaje de color que este tenga

Valoración
Se refiere a la cantidad de luz o claridad (blanca) o de oscuridad (negro) que un color contenga

Matiz
Es la cantidad mezclada de otro color

Elementos del Diseño Gráfico Bocetaje

Introducción

De acuerdo al Diccionario del Arte la definición de boceto es: término de origen italiano “bozzetto” – bloque de piedra sin desbastar –. En pintura y escultura: estudio previo, inmediatamente anterior ala ejecución de la obra definitiva en el cual están ya todos lo elementos de forma, composición, color, etc. Aunque sin perfiles y a menudo en tamaño más pequeño. Para una obra el artista realiza más de un boceto.


En pintura, el diccionario de la Real Academia española lo define: “el borroncillo en colores previo a la ejecución del cuadro”. Hasta finales de XVIII no adquirió el sentido adicional de “dibujo o pintura de naturaleza ligera o sin pretensiones”. Un tipo específico de boceto es el modelo que se suele hacer como propuesta de una obra mayor con el fin de mostrárselo al cliente es por tanto más elaborado que el boceto ordinario. En dibujo, el boceto se suele llamar apunte.

Resulta muy difícil dar una definición precisa de lo que es un boceto; en realidad, no se trata del tiempo empleado en su ejecución, ni de la técnica ni del nivel de acabado que se haya logrado. Normalmente los mejores bocetos tienen una inmediatez que sugiere un trabajo rápido y espontáneo; pero, por el contrario, algunos dibujos muy detallados y extensos, cuya elaboración ha exigido mucho tiempo de trabajo mantienen la frescura que generalmente se asocia con los apuntes rápidos y ágiles.

Un boceto, hablando en términos visuales nos comunica algo de las preferencias y placeres personales del artista, acerca de la particular manera que tiene esta persona de responder ante experiencias nuevas y ante formas que le son familiares. En el dibujo de bocetos, la habilidad técnica tiene una cierta importancia – no porque de ello dependa la competencia o la excelencia del artista – porque con la ayuda de la técnica se aprenderá a manejar el medio, y se podrán asumir ciertos rasgos cuando el trabajo los exija.

El boceto, es también, el campo de pruebas para el uso de la línea, valores tonales, masas, textura, formas y color – elementos de composición – que después pueden ser traducidos a otros medios pictóricos y que asimismo pueden formar la base para proyectos mucho más ambiciosos.

Principios y técnicas del bocetaje y composición

Realizar bocetos tiene un buen número de funciones diferentes, y existen tantas maneras distintas de hacerlo como formas de manchar el papel, y tantos tipos diferenciados de boceto como artistas que los realizan. Uno de los aspectos básicos del boceto es su utilidad en cuanto a método de recogida de información visual acerca del mundo que nos rodea. El boceto puede constituir un fin en sí mismo ya que representa una variedad artística versátil y gratificante, accesible a cualquier persona.

Los bocetos se realizan para obtener habilidad, y obtener una guía para el resultado final de un proyecto. La habilidad técnica aumenta con la experiencia.


Podemos asegurar que dibujar las imágenes que percibimos es una actividad exclusiva de los seres humanos, y que sólo la podemos realizar gracias a nuestro cerebro.
El cerebro humano está formado por dos mitades con los nombres de hemisferio izquierdo y hemisferio derecho. El hemisferio izquierdo controla el lado derecho del cuerpo y el hemisferio derecho, el izquierdo. Debido al cruce de las vías nerviosas, el hemisferio derecho controla la mano izquierda y el hemisferio izquierdo la derecha.


De esta manera el hemisferio izquierdo analiza, abstrae, cuenta, marca el paso, planea los procedimientos paso a paso, verbaliza y hace afirmaciones racionales de acuerdo a la lógica. Su modo de trabajar es la modalidad analítica, verbal calculadora, secuencial, simbólica, lineal y objetiva.

El hemisferio derecho tiene una manera de conocer diferente, con ella vemos cosas que podrían ser imaginarias, que sólo existen en el ojo de la mente. Con el se pueden entender las metáforas, soñar y crear nuevas combinaciones de ideas.


Ejercicios de líneas
Líneas Rectas. Siempre mantienen lamisma dirección y pueden ser:
• Horizontal: Para dibujar lohacemos de izquierda a derecha
• Vertical: la dibujamos de arribahacia abajo
Oblicua.
• Ascendente:
• Descendente:
Línea Quebrada. Si se combinan laslíneas rectas entre sí, producimos unalínea en forma de zigzag llamada línea quebrada.


Las líneas también pueden ser clasificadas en:
Continua:
• gruesa
• fina
Punteada:
• gruesa
• fina
El dibujo utiliza la combinación de todas estas líneas para construir imágenes, y para aprender a dibujar es necesaria la práctica.

Diseñar es difícil, difícil porque diseñar está muy vinculado a imaginar e imaginar no es moneda corriente. Diseñar es abocetar, bosquejar, componer, etc., pero en definitiva es crear. Posiblemente incluso se pueda discutir la precisión del termino diseñar, es posible que “componer” sea más exacto; la composición es la estructuración o disposición ordenada y equilibrada de los diversos elementos que van a componer el objeto del diseño.


Para ejercitar la capacidad de representación, meditamos sobre posibilidades, analizamos el esquema formal del conjunto de que se trate, analizamos los aspectos particulares de cada elemento interviniente, observamos los diversos términos de relación entre los elementos.

Durante el análisis surgen en nuestra mente representaciones de sistemas conocidos, sus dificultades, sus ventajas, sus inconvenientes. La facultad de representación nos induce a modificar, alterar, transformar, cambiar, elegir, etcétera.

En cuanto a la capacidad de combinación, la facultad de combinar lo representado, lo transformado o cambiado, descubre nuevas posibilidades, realza, acentúa y entramos de lleno en el terreno de la “creatividad”, en síntesis, de la capacidad de crear. Así la creatividad se sitúa como: una actitud nueva ante algo que deseamos transformar, esta actitud representa la suma de todos nuestros conocimientos, pensamientos, reacciones, es decir, se genera una disposición de ánimo hacia una nueva solución, hacia un nuevo sistema.

Teoría de la comunicación

Introducción al Estudio de la Comunicación
Compilador:
Lic. Rafael Quintana Orozco

Introducción
La comunicación es la forma por la cual dos o más personas intentan obtener algo común, cambiando informaciones. El "cambio" se da por el uso del lenguaje, y el "algo común" es la comprensión o el acuerdo que uno busca. Todas las personas poseen maneras propias de comunicarse, aunque usen un mismo idioma. El caló, los regionalismos y el vocabulario técnico son ejemplos de algunas formas usadas entre las personas para comunicarse. El entendimiento y la práctica de la comunicación son tareas fáciles y casi innatas. Sin embargo, la experiencia comprueba que es más fácil relacionarse con otros individuos, que de ellos obtener una completa comprensión o un acuerdo perfecto. Allí reside la dificultad en la comunicación: el alcance de esa voz única donde todos puedan entenderse.

Concepto de comunicación
La palabra “ Comunicación” viene del latín Comunis Comunicare y Hacer Común
La comunicación es el proceso de transmitir ideas o bien símbolos, que tienen el mismo significado para dos o más sujetos los cuales intervienen en una interacción.
Es la utilización de un código especifico para la transmisión de un mensaje o bien de una determinada experiencia en unidades semánticas con el objeto de permitir a los hombres relacionarse entre sí.

La comunicación como proceso
La comunicación es un proceso en el que intervienen diferentes actores:
• Fuente
Por fuente entendemos el origen primario de la información de la cual el emisor selecciona aquella que considera importante para estructurar el mensaje que va a transmitir.
• Emisor
Es la persona que tiene una información, necesidad o deseo, así como un propósito para comunicárselo a otra persona o a varias.
• Mensaje
La información total que el emisor a codificado con el objeto de ser transmitida por medio del habla, gestos, escrita, movimientos corporales, etc., y la cual va a ser captada por el receptor.
• Canal
El medio formal de comunicación entre un emisor y un receptor
• Decodificar
Implica la interpretación del mensaje enviado por el emisor.
• Receptor
Aquella persona la cual recibe el mensaje del emisor con el objeto de volver a cambio otra información que lo convierte en un emisor dando origen al proceso denominado retroalimentación.

PROCESO DE COMUNICACIÓN

 

Durante el proceso de Comunicación muchas ocasiones sucede que esta se distorsiona o se anula por varias razones entre las cuales podemos mencionar como más sobresalientes las siguientes.
a) El emisor y el receptor manifiestan intereses diferentes
b) Las palabras, juicios o conceptos que emplean pueden tener significados diferentes
c) Cuando se presenta el proceso de comunicación generalmente existen factores emotivos tanto del emisor como del receptor los cuales alteran la comunicación
d) En muchas ocasiones no se consigue estructurar el mensaje de la manera que se desea
e) En ocasiones no se consigue, el emisor piensa en un aspecto que considera debe ser escuchado por el receptor y este puede escuchar cosas totalmente distintas.

PROCESO DE COMUNICACIÓN

La comunicación como herramienta
Las herramientas que nos sirven como facilitadores de la comunicación son las siguientes;
• Habilidad
Un conjunto de actividades o conocimientos que un sujeto puede realizar de manera fácil y efectiva aunque no exista aprendizaje previo (y cuando existe aprendizaje esa actividad se desarrolla con gran precisión
• Capacidad
Entendemos todo un conjunto de posibilidades o de conductas que un sujeto tiene como características naturales
• Actitud
Son determinadas posiciones que toma un emisor o un receptor con receptor a una determinada situación y estas pueden ser positivas o negativas
• Código
Es un conjunto de signos gráficos, auditivos, táctiles, etc., que tienen un significado común para el emisor y para el receptor lo cual les permite relacionarse de manera más eficaz.
• Contenido
Se refiere a toda aquella información o bien todos aquellos significados que el receptor debe conocer según el criterio del emisor.
• Tratamiento
Es la estructura o la forma en que se relacionan los códigos y los contenidos para que sean accesibles a los receptores.
• Denotativo
Se refiere al significado exacto de los términos, figuras, señales, utilizados.
• Conotativo
Es la interpretación que un sujeto da a las diversas señales, términos, palabras, etc., de un mensaje especifico.

Los símbolos
• Son un hecho psicológico
• Su naturaleza es psíquica y no física
Los signos
• Son un hecho físico y estético
- Poseen un elemento perceptible (un sonido, un gesto, un color, un grafismo),
- Y uno no perceptible (un concepto).
Signos icónicos
Establecen una relación directa con aquello a lo que refieren.
Símbolos o signos simbólicos
Establecen una relación indirecta con aquello a lo que refieren.
Indices o signos indicativos
Son un hecho físico.
No establecen relación con nada. Solo indican o señalan un fenómeno.

Clasificación de la comunicación por códigos

Cinesis -Kinesis - una de las ramas de la Antropología que analiza los niveles y las
formas de comunicación gestual del ser humano sin “la ayuda” del mensaje
sonoro, hablado, dice que del 100% del mensaje comunicado por lo menos un
70% es mensaje transmitido por la comunicación no verbal. Este piso de mensaje
no verbal se plantea, entonces, en que un mensaje con un 30% de comunicación
verbal -máxima utilización del habla en el mensaje- se puede dar en un discurso
matemático o filosófico. El resto de las relaciones es decir, por ejemplo, el ciento
por ciento de las relaciones de comunicación humana, se plantearían entre ser un
mayor porcentaje del 70% y, naturalmente, un menor porcentaje del 30%.
El coloquio cotidiano podríamos plantearlo entre un 80 a un 95% de mensaje no
verbal transmitido con “el resto de los elementos de comunicación” que
compartimos con la “comunicación verbal”.
Si sabemos que, además, el sonido naturalmente viene “cargado de silencio” con
el cual comparte su espacio de comunicación verbal podríamos decir que, en
casos de extrema intelectualización del mensaje -caso matemático o filosófico- y
de acuerdo a la circunstancia en que la comunicación se plantea, al estado de
ánimo de los parlantes y a una enorme cantidad más de variables, por lo menos
un 35 a un 50% de lo hablado es: silencio. Muchas veces, en exclamaciones o
sentencias cortas, el silencio en la relación es aún mayor.


Lenguaje es la comunicación de un significado por medio de símbolos.
El lenguaje visual es entonces la comunicación de un significado por medio de olos visuales o audiovisuales. Es un lenguaje elemental de imágenes y es to, preciso y universal porque ignora los límites del idioma, del vocabulario y gramática. nguaje visual esta particularizado por la globalidad de los mensajes y la rapidez de su captación.

Técnicas de expresión y representación

Soportes Gráficos/Sistemas de impresión

Soportes Gráficos
Sistemas de impresión

Sistema de impresión offset y proceso de diseño

Tintas: Tipos y características

Tipos de impresión

Video "Tipos de impresión"

Formatos de papel

Formatos de papel
Los formatos de papel más comunes en Latinoamérica
PDF Formatos de papel

Papeles y acabados 

Video 

Tipos de Papel

Existen diversas calidades de papel, que se utilizan con distintas finalidades. Las características del papel tienen una importancia decisiva en el resultado impreso final, por ello debemos escogerlo lo antes posible en el proceso de producción, preferiblemente antes de comenzar a trabajar en los originales digitales, lo que nos permitirá realizar todos los ajustes necesarios para nuestra producción en función del papel seleccionado y optimizar así la calidad del resultado.
Las características del papel se ven incluidas por factores como el tipo de madera y los productos de relleno que utilizan en la fabricación de la pasta.

Video: "¿Como se hace el papel?"

Video: Características del papel


Glosario y preguntas frecuentes acerca del papel

Algunos datos sobre el papel

El papel de impresión es una materia compleja. Algunas de sus características son las siguientes:

• Puede no contener fibras de madera, en cuyo caso se compone de celulosa.
• Puede contener madera, o sea, estar compuesto de fibra de madera.
• Puede ser más o menos traslúcido (ser transparente, o bien ser opaco).
• Puede ser de tonalidades distintas.
• Tiene pesos diferentes (desde 25 g/m² hasta 170 g/m²; si el peso es mayor, se habla de cartulinas y cartones).
• Puede tener más o menos volumen, esto es, contener más o menos aire.

Papel natural

• Se compone únicamente de la mezcla de sus fibras, con pocos aditivos.
• Su superficie puede ser:
  • Rugosa
  • Algo más suave (alisado mecánicamente)
  • Lisa (satinada)

Papeles estucados

• Se le da un acabado con una capa fina de sustancias minerales pastosas; puede ser:
  • Papel offset pigmentado
  • Papel cuché

Todas estas propiedades influyen sobre el carácter de un impreso. Algunas características son especialmente importantes para el diseño.

El papel es higroscópico, esto es, absorbe la humedad del aire y la vuelve a expulsar, por lo que su volumen se dilata y vuelve a encogerse. En el caso de una hoja suelta, esto no tiene importancia, pero sí la tiene en el caso de folletos y libros.

En el papel hay una dirección de la fibra. En la fabricación, la pasta de papel se vierte sobre un gran colador que se mueve a gran velocidad. Por eso las fibras se disponen todas en una misma dirección, la dirección de la fibra.

Dirección correcta. Las fibras de papel van paralelas al lomo del libro.

Dirección incorrecta. Las fibras de papel quedan perpendiculares al lomo del libro.

Las líneas delgadas marcan la posición de fibras y las flechas la dirección en la que se extienden.

En la dirección de fibra correcta, el papel tiene libertad para extenderse en el sentido de las flechas. En el caso opuesto, el papel tiende a ensancharse hacia arriba y hacia abajo, pero no puede porque se encuentra encolado al lomo del volumen. Al no poder doblarse o plegarse en sentido contrario a la fibra, se ondula y se arruga.

Coloración, superficie y lectura

Los folletos de automóviles, de joyas o de inversiones financieras nos llegan repletos de brillos, mientras que en los libros especializados sobre medicina, óptica o arte se prima la fidelidad cromática. En este caso, se emplean papeles blancos con superficies aisladas y posiblemente brillantes.

Pero cuando se trata de que se lea un mensaje, imperan otros criterios: es el caso de un plano, del texto de una cajetilla, de una octavilla o de las notas de una tesis doctoral (por no hablar del propio libro).

Regla práctica: el papel muy blanco (que en realidad está tintado de azul) eclipsa un tipo de un negro intenso, y esto perjudica la legibilidad.

Cuando las reproducciones requieren un papel muy blanco, no deben utilizarse letras con un marcado contraste entre trazos gruesos y finos, y hay que evitar letras muy finas.

Lo mejor, en términos de legibilidad, es un papel con una superficie mate y un blanco ligeramente roto. El uso de papeles con tono marfil o de un amarillo claro no encuentra justificación en la cuestión de la legibilidad, sino razones estéticas.

El intento de suavizar el eclipsante contraste entre la tonalidad del papel y la letra imprimiéndola en un tono sepia, o similar, conduce fácilmente a un resultado un tanto descolorido con el que no se mejora la legibilidad.

Independientemente de la coloración, el papel con superficie lisa y brillante tiende a actuar deespejo, lo cual resulta perjudicial para la lectura.

Por lo general, los tipos impresos sobre papel reciclado se leen cómodamente, pero hay que cuidar de no imprimirlos con una intensidad demasiado leve ni excesivamente fuerte.

Cuando se usan papeles de colores pastel o de tonalidades intensas, se recomienda hacer antes unas pruebas de impresión para poder determinar qué tipos pueden soportar la combinación de colores.

En términos de legibilidad, resulta esencial la transparencia del papel. En papeles con poca opacidad, puede verse que hay impreso en el dorso o en la página siguiente, lo cual puede producir un efecto muy molesto. En este caso, la tipografía debe prepararse acorde con ello, para que las líneas del anverso y del reverso de una hoja coincidan; es lo que se llama mantener el registro.

Referencias

Esta información es extraída del libro:

Hans Peter Willberg / Friedrich Forssman, primeros auxilios en tipografía, consejos para diseñar con tipos de letra. Ed. Gustavo Gili, SL. México. p 32.